Alberto López Cuenca
Theo van Doesburg, Counter-Composition V, (1924)
Peggy Guggenheim (1898-1979)
representa tal vez uno de los casos paradigmáticos donde las lindes
entre su actividad pública como coleccionista y su vida privada están
premeditadamente difuminadas, brindando así la equívoca posibilidad de
hacer con ella tanto biografía del arte como arte de lo meramente
biográfico. Razones para el solapamiento no faltan, ya que la propia
Peggy se encargó de dejar personalmente por escrito los detalles
morbosos de una agitada vida que quiso ver dedicada al arte moderno.
Confesiones
de una adicta al arte, una versión abreviada de su autobiografía,
es un autorretrato que da fe de ello; Peggy Guggenheim: la vida de
una adicta al arte, por su parte, es una biografía que ahonda en la
vida de Peggy, matizando y ampliando la versión de la autora y hurgando
en cuestiones que por distintos motivos ésta prefirió soslayar.
Marguerite Guggenheim vino al mundo en Nueva York, miembro de segunda
generación de dos familias judías que emigraron de Europa a mediados del
siglo XIX , los Seligman y los Guggenheim. Ambos clanes amasaron una
considerable fortuna y se ganaron una reputación de exitosos
comerciantes en un período relativamente corto de tiempo. Meyer
Guggenheim, abuelo de Peggy, comenzó como vendedor ambulante a su
llegada a Estados Unidos en 1848 y para 1900 ya era un magnate de la
minería, negocio que se encargaron de ampliar sus hijos, entre ellos
Solomon, a la postre filántropo y creador de la fundación Solomon R.
Guggenheim. El padre de Peggy, Benjamin Guggenheim, más licencioso y
menos visionario en términos comerciales que sus hermanos, moriría
trágicamente en el Titanic en 1912.
Si esto pudo representar un
duro golpe para Peggy y sus dos hermanas, desde luego les brindó
independencia económica al alcanzar la mayoría de edad y poder disfrutar
de los intereses de la herencia de su padre, dispuesta como capital en
fideicomiso. Peggy no era ni mucho menos «una Guggenheim rica», pero a
pesar de la dilapidada vida de su padre, heredó lo suficiente (sumado,
posteriormente, a la herencia dejada por su madre) como para no
preocuparse por ganar dinero durante el resto de sus días. Desde pequeña
Peggy habitaría entre Estados Unidos y Europa, donde se establecería
desde 1920 hasta el día de su muerte, a excepción de los años que pasó
en Nueva York entre 1941 y 1946, huyendo de los horrores de la guerra en
Europa.
Antes de partir para Francia, Peggy conocería en Nueva York a
quien sería su primer marido, el artista Laurence Vail, con quien se
casaría en 1922 en París. Vail, más que pintor o escritor, fue un
excelso bebedor y bon vivant que a cambio de seducir a Peggy y
vivir de sus rentas la introdujo en el mundo de la bohemia parisina de
la década de 1920, donde frecuentaría a Gertrude Stein, Marcel Duchamp,
James Joyce, Man Ray y Djuna Barnes, entre otras figuras destacadas de
la época. Desgraciado como pudo ser su matrimonio con Vail, ya entonces
se reveló una actitud que Peggy nunca abandonaría a lo largo de su vida:
si bien no había gozado de una educación universitaria, su interés por
saber y por codearse con quienes sabían no tenía límites, por lo que
siempre encontraría una pareja o se rodearía de personas que pudieran
estimular y satisfacer sus ansias de conocimiento. A pesar de sus amigos
artistas de la bohemia parisina, Peggy no mostró ningún interés por el
arte moderno hasta finales de 1930 en Inglaterra, adonde se había
trasladado tras divorciarse de Vail. Allí, fruto del aburrimiento y como
mero pasatiempo, flirtearía con las nuevas tendencias del arte moderno.
«Mi amiga, Peggy Waldman, me sugirió que me dedicara a la edición,
pero, por temor a que me resultase demasiado caro, opté por la otra
alternativa: abrir una galería de arte moderno» (Guggenheim, pág. 47).
Guggenheim Jeune se inauguraría en enero de 1938 y celebraría
exposiciones individuales de Jean Cocteau, Vassily Kandinsky e Yves
Tanguy, entre otros artistas. En este proyecto, como haría con otros a
lo largo de su vida como coleccionista, Peggy se sirvió del
asesoramiento del crítico y abanderado del arte moderno Herbert Read y
de Marcel Duchamp (a quien Peggy dice deber su educación artística). En
1939, Peggy decide cerrar Guggenheim Jeune y abrir un museo de arte
moderno.
Ya que perdía dinero, «era preferible gastarse mucho más y
hacer algo que mereciera la pena» (Guggenheim, pág. 60). Inspirándose en
el Museum of Modern Art de Nueva York, Peggy convenció a Read para que
dirigiera la futura institución. Éste confeccionó una lista de los
artistas que debían incluirse en el museo (una lista corregida
posteriormente por Marcel Duchamp y Nelly van Doesburg, viuda de Theo
van Doesburg, del grupo De Stijl) que pasaría a formar la base de lo que
hoy es la colección Peggy Guggenheim. El proyecto del museo se iría al
traste debido a las incertidumbres que trajo consigo el comienzo de la
guerra, pero Peggy aún volvería a París y se daría frenéticamente a la
tarea de satisfacer la lista de Read: «me hice con el propósito de
adquirir un cuadro por día» (Guggenheim, pág. 65). En este período
compraría, a unos precios realmente accesibles, obras de Max Ernst,
Constantin Brancusi, Alberto Giacometti, Fernand Léger, Giacomo Balla,
Piet Mondrian y Francis Picabia, entre muchas otras. Sería entonces
cuando conocería al galerista estadounidense Howard Putzel, quien le
haría de cicerone por los estudios de artistas en París y,
posteriormente, tras la vuelta de Peggy a Nueva York, trabajaría para
ella de secretario, animándola a confiar en los nuevos valores de la
pintura estadounidense. Peggy regresaría a Nueva York en 1941 llevándose
consigo a Max Ernst, con quien se casaría en diciembre de ese año. En
1942 abriría su galería-museo Art of this Century, con un diseño
espectacular de Frederick Kiesler, donde expondría su colección de arte y
dedicaría una sala a exposiciones temporales.
En Nueva York durante la
Segunda Guerra Mundial se cobijaron gran parte de los artistas europeos,
desde André Breton a Tanguy, pasando por Ernst, Duchamp y Léger. Peggy
mostraría la obra de estos últimos en su museo, pero en su galería de
exposiciones temporales comenzó a exponer los trabajos de un grupo de
jóvenes y desconocidos artistas estadounidenses, Jackson Pollock, Robert
Motherwell, William Baziotes y Mark Rothko, entre ellos. De nuevo,
aunque el dinero y el empeño de Peggy fueron los que animaron a esta
hornada de artistas, fue otra persona, Putzel, la que le llamó la
atención sobre la importancia de esta pujante generación de creadores.
Si Peggy fue fundamental para que Pollock se hiciera con un nombre en la
escena artística, parte del mérito se debe a la visión de Putzel. En
1946, una vez concluida la guerra en Europa, Peggy abandonaría Nueva
York por París. Sin embargo, a las pocas semanas visitaría Venecia, que
ya conocía por su primer marido, Laurence Vail, y decidiría establecerse
allí y buscar un lugar para exponer su colección.
El lugar escogido fue
el palacio Venier dei Leoni, que la alberga hasta la fecha. Puede
decirse que para cuando Peggy vuelve a Europa la colección está
prácticamente concluida, ya que los dos períodos en los que quedó
conformada fueron los de 1938-1940 en Europa y 1941-1946 en Estados
Unidos. Su núcleo, por tanto, lo conforman obras surrealistas y
abstractas de la primera mitad del siglo XX , la época que Peggy
consideraba realmente feraz y creativa del arte moderno.
Consecuentemente, en 1960 escribiría que «la nuestra es una época de
coleccionismo, no de creación» (Guggenheim, pág. 151). Es revelador que
la primera autobiografía de Peggy, Out of this Century: the Informal
Memoirs of Peggy Guggenheim, apareciera en 1946 (con portada y
contraportada de, nada menos que, Ernst y Pollock), una vez que su
actividad como coleccionista y marchante prácticamente ha concluido. En
ella da cuenta de sus peripecias y, sobre todo, abunda en detalles de
sus relaciones amorosas (aunque en el texto la luenga lista de
implicados se oculte bajo seudónimos).
En 1960 se publicará Confessions
of an Art Addict, una edición abreviada de esas memorias, la que
ahora edita en castellano la editorial Lumen en una pulcra traducción,
aunque con pésimas ilustraciones. En 1979 vería la luz un nuevo texto, Out
of this Century: Confessions of an Art Addict, donde Peggy reunió
los dos libros anteriores y donde no ocultaría ya los nombres de las
personas que aparecen en él (de esta edición hay dos traducciones
castellanas: Una vida para el arte, Salvat, 1995, y Una vida
para el arte: confesiones de una mujer que amó el arte y los artistas,
ediciones Parsifal, 1990). Peggy Guggenheim se cuidó de escribir su
propia historia, y lo hizo con desparpajo y bastante impudicia. Aun así,
ha sido objeto de varias biografías, y de algunas que se anuncian (como
la venidera de Mary Dearborn en la editorial Houghton Mifflin). En
España ha aparecido recientemente Peggy Guggenheim: la vida de una
adicta al arte, de Anton Gill, más de quinientas páginas de
anécdotas y elucubraciones psicoanalíticas en torno a la coleccionista
(cuya versión castellana ostenta el dudoso logro de no poner una sola
tilde al adverbio «sólo» en todo el libro). Gill hace fundamentalmente
un recuento de los amoríos de Peggy (de los que ella ya levanta acta en
sus memorias) con Samuel Beckett, Yves Tanguy, John Cage, tal vez Marcel
Duchamp, y detalla las fiestas, viajes y mezquindades de la
protagonista.
Sin embargo, aunque Gill parece haberse documentado y dice
haber pasado «varios años de trabajo» (Gill, pág. 543) para escribir su
libro, el tono y el cúmulo de comentarios extemporáneos (del tipo «no
se requiere ser un Freud para deducir que el posterior interés de Peggy
por los colores vivos [...] fue una reacción a esa fúnebre biblioteca
donde la obligaban a comer [de niña]», pág. 74, o «Si de veras se
produjo ese intento de contacto sexual [con Jackson Pollock], sin duda
él debía de estar demasiado borracho para hacer mucho más que orinar»,
pág. 399), frivolizan su labor hasta trivializarla. En ese contexto,
Gill insiste en el que podía haber sido un buen ángulo para enfocar su
trabajo, que «colección y coleccionista se convirtieron en una misma
cosa: la identidad y el ego de Peggy estaban ligados a la colección»
(Gill, pág. 23, passim). Sin embargo, no apoya esta afirmación de
tintes freudianos (ni tan siquiera hilvana la narración de modo que
suene plausible), sino que pretende corroborarla reiterándola.
No
convence. En relación a esa identificación de Peggy con su colección, el
capítulo más interesante del libro es el dedicado a resolver el destino
de ésta desde finales de los sesenta, con su dueña ya achacosa y sola
en Venecia intentando evitar que a su muerte su legado se disuelva entre
los herederos. La Tate Gallery londinense, el gobierno italiano e
incluso el Louvre mostrarían un súbito y comprensible interés por la
anciana Peggy. Los detalles de las negociaciones y las estrategias para
evitar que su «obra» se desmembrara son ilustradores de la
vulnerabilidad de una colección de arte particular, como lo es que,
inesperadamente, aquélla acabara formando parte de la fundación de su
tío Solomon, su propietaria y custodia actual. Una decisión que, en
última instancia, ha hecho que se siga hablando de Peggy Guggenheim, por
su colección y por su vida. Una vida marcada por una tardía pasión por
el arte que la hizo mecenas de artistas y amantes, sustento del papel couché
y del arte moderno.
Tomado de:
http://www.revistadelibros.com/articulo_completo.php?art=3441
|
