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Inicio » 2012 » Febrero » 2 » LA CONDICIÓN POSTMEDIA.
12.57
LA CONDICIÓN POSTMEDIA.

 Peter Weibel




I [téchne – episteme]

En su Ética a Nicómaco Aristóteles (384-322 a. C.), hijo de un médico macedonio y profesor de Alejandro Magno, distingue notoriamente entre tecné (habilidad práctica, arte) y epistemé (conocimiento científico, saber). A las diferentes formas del saber pertenecían la Retórica, la Aritmética, la Geometría, la Astronomía, la Dialéctica, la Gramática y la Teoría Musical, destinadas a la comunidad de los hombres libres. El conocimiento práctico era para los siervos, los asalariados, los artesanos (tecnites o banausos).

Aristóteles da vía libre a su desdén por el trabajo manual. La situación de los artesanos es la propia de una sociedad esclavista cerrada y, sin embargo, él tampoco gozaba de derechos de ciudadanía. Aristóteles enseñaba a los hijos de los "libres” que no debían dedicarse a tareas útiles que podían relegarse a los banausos ya que un oficio manual apartaba el alma y el entendimiento de los libres del ejercicio y aplicación a la virtud. Las artes manuales producen una mala complexión corporal y apartan al pensamiento del ocio necesario. Lo útil solamente debe enseñarse en tanto en cuanto sirva como fundamento de lo superior. Un adulto libre tiene que escuchar música única y exclusivamente por diversión, no tocarla el mismo ya que la propia interpretación sería algo de tipo manual (banauso) y por ello impropio de un hombre libre. Tiene por lo tanto que haber personas que como asalariadas o como esclavos dominen un oficio es decir una tecné, pero solamente al servicio de los demás, para proporcionarles placer o posibilitarles el ejercicio de actividades de más alto rango. Para comprender esta jerarquía de las formas de conocimiento debe recordarse que Aristóteles no era precisamente un amigo de la democracia, sino un paladín del dominio de una clase sobre las demás. Para una buena organización del estado que sirva al interés común propugnaba el dominio de uno solo (la monarquía), el dominio de unos pocos (la aristocracia) y el poder de muchos (politia). Formas de estado serían para la monarquía la tiranía, para la aristocracia la oligarquía, y para la politia la democracia. Ya que la tiranía es el dominio de uno en beneficio de los dominantes, la oligarquía un poder en beneficio de los ricos y la democracia un poder en beneficio de los pobres. Sin embargo ninguna de estas formas de estado buscaba el beneficio de todos” Con una mezcla de politia y aristocracia intentaba Aristóteles neutralizar los peligros de ambos extremos (democracia y oligarquía). Aristóteles establecía también una conmensurabilidad del orden estético y social. La jerarquía de la sociedad de clases servia de base a una jerarquía de las artes y de las ciencias. Las ciencias (epistemé) desde la Aritmética a la Retórica eran para los libres. Las artes (tecné) desde la Arquitectura a la Pintura y la Escultura pasando por la Agricultura eran para los esclavos.


II [Artes liberales- artes mechanicae]

Los romanos se remontaron a la diferenciación aristotélica, aunque con una desviación significativa. Ya no distinguían entre formas de saber y destrezas, entre conocimiento y pericia, entre expertos y artesanos, sino que transfirieron la diferenciación aristotélica al propio concepto de arte. A la diferenciación entre epistemé y tecné sigue la diferenciación entre artes liberales y artes mechanicae (mecánicas). Las formas del saber desde la Aritmética a la Retórica se convirtieron en artes liberales. Las formas de artesanía desde la Arquitectura a la Agricultura pasaron a ser artes mechanicae. La conmensurabilidad de un orden estético y social constituye más adelante las bases de una jerarquía del arte y de la artesanía. Lo que hoy se llama ciencia constituía las artes liberales de entonces. Las artes tal como hoy las entendemos permanecían todavía en el horizonte de la tecné.

El estudio de las artes liberales constituía para los romanos el contenido de la educación superior que convenía a un ciudadano libre y que no estaba basada en el ánimo de lucro. Las siete artes liberales (Gramática, Dialéctica, Retórica, Artitmética, Geometría, Teoría Musical y Astronomía) constituyeron también el las enseñanzas de las escuelas de los monasterios y a partir del siglo XIII de las universidades. (Arquitectura, Pintura, Escultura y Agricultura continuaron siendo despreciadas como banausoi tecnai o artes vulgares et sordidae (sucias) destinadas los siervos, los asalariados y los esclavos.




III [El desafío del Arte]

La pintura, arquitectura, escultura alcanzaron por primera vez la categoría de "artes liberales” con el surgiemiento de la burguesía. Hacia 1500 las artes plásticas que se emanciparon por igual de las "artes liberales” de entonces fueron la Arquitectura, la Escultura y la Pintura. El concepto "paragone” designa en Historia del Arte "el desafío del arte” que empezó a desarrollarse en los tiempos modernos. Inmediatamente comenzó la discusión acerca del rango de las artes por cuyo primer puesto competían sobre todo la pintura y la escultura, la primera de Leonardo da Vinci que en sus escritos tomó partido explícitamente por la pintura. Mientras la pintura aportaba al campo de batalla su capacidad de creación de ilusiones, su inventiva y sus posibilidades de copiar a la naturaleza con sus métodos cuMarcistas, la escultura aludía a su mayor dimensionalidad a sus cualidades táctiles y a su materialidad. La pintura se consideraría pura apariencia mientras que la escultura daba cuerpo al ser. Desde entonces fue válido lo que el escultor Turbolo escribió acerca de este asunto en una carta a Benedetto Varchi: "Mi pare la scultura sia la casa propio, la pittura sia la bugìa” "Me parece que la escultura es el auténtico ser, la pintura la mentira”. Por su parte la pintura consideraba a la escultura como un oficio sucio, manual, que no alcanzaba las características intelectuales de la pintura. Los pintores despreciaban a los escultores con el viejo argumento del trabajo manual.

De las antiguas artes liberales, en un tiempo ciencias, forman parte hoy la Pintura, la Escultura y la Arquitectura, en el lugar de las antiguas artes mechanicae se sitúan hoy las artes aplicadas, y el arte de los media

Teoría y ciencia constituían en tiempos el arte de los ciudadanos libres. Las artes "mecánicas”, manuales eran las artes de los asalariados y de los esclavos. Esta clasificación estética que obedecía a la sociedad divida en clases de los griegos se traduce hoy en la valoración del "Arte” y del "Arte Mediático”. Se desvaloriza a los artistas mediáticos en tanto que se les relega a reproducción técnica y al horizonte de los aparatos y se da la primacía a la pintura como principio antropomórfico.

Hoy lo automático, lo producido por una máquina tiene la misma consideración de inferioridad que en otros tiempos tenía lo manual, lo fabricado. Los medios han ido a ocupar el puesto de las artes mecánicas. No se advierte detrás de la aparente autonomía de un artefacto realizado por el hombre y la máquina la aportación intelectual de la creación artística. En un principio la diferencia entre artes liberales y artes mechanicae se basaba en la aceptación de que las primeras suponían una actividad intelectual y las segundas una actividad física. Hoy la separación es la siguiente: intuición y mano del artista a frente a arte creado por cálculo digital y producción mecánica. El desprecio por lo mecánico y los media ocupa el lugar que antes ocupaba el desprecio por trabajo manual. Hoy se otorga superioridad a la pintura como producción de la mano del hombre dirigida por la intuición artística, frente a cualquier otra obra de arte producida o reproducida por medios técnicos. Las obras originales de la pintura están al servicio de la clase alta. Las clases bajas se conforman con reproducciones fotográficas, múltiples, postales, etc. de los originales famosos. El sambenito de artes mechanicae afecta hasta hoy a las obras de arte generadas con ayuda de medios electrónicos. Si echamos un vistazo a los libros actuales de Historia del Arte constataremos que todavía subsiste el desprecio por el arte mediático, que todavía no ha conseguido eliminar por completo el estigma de proceder de la praxis de un arte no libre y mecánico.

Por ello la liberación de las llamadas clases bajas es indispensable para los procesos de transformación del arte en sí mismo. Las clases bajas deben agradecer su emancipación no tanto al arte como a las ciencias naturales y al espíritu de la Ilustración que decidieron liberar a la humanidad de la violencia social, de las cadenas de su minoría de edad forjadas por la nobleza y la iglesia y de la violencia de la naturaleza. Las ciencias naturales se aliaron con las artes mecánicas (te/xnh) y se ayudaron de instrumentos, aparatos, laboratorios, conocimientos y peritajes para descubrir las leyes de la naturaleza y agilizar los mecanismos para dominarla. Alguna corriente artística como por ejemplo el Romanticismo se opuso a la Ilustración, otras se aliaron con ella para mejorar la condition humaine (la condición humana). La situación se repite en nuestros días. Hay que ampliar y fomentar las esferas del saber, mientras las artes mecánicas y mediales se conectan otra vez con las ciencias naturales y crear así con la ayuda de las nuevas tecnologías y procedimientos, plataformas y prácticas de procesos democráticos.

El artista "libre” que se emancipó en el Renacimiento del trabajo manual "mecánico” no se ha liberado realmente de su dependencia del mecenazgo aristocrático. Su arte sirve en lo fundamental al enaltecimiento de la clase dominante. El lugar de la iglesia y la nobleza, de obispos y de príncipes, lo ocupan hoy consorcios, sociedades anónimas, consejos de administración. Son las artes mecánicas, las ridiculizadas por las artes liberales de hoy las que en realidad sirven a un propósito puramente artístico y las que con sus obras pueden desvelar la conmensurabilidad del orden estético y social. Son las predominantemente "artes de cálculo” (Heidegger), las que en los folletines siempre son despreciadas por la aristocracia de las artes liberales, las que intentan fomentar la emancipación y la igualdad de derechos para aquellos a los que se les ha privados de ellos. El auge del arte técnico y su lucha por su reconocimiento refleja la rebelión de los trabajadores y de la clase de los siervos y su lucha por su reconocimiento político. En sus dos libros "La rebelión de las masas”, 1930 y "La deshumanización del arte”, 1925 describe José Ortega y Gasset, aunque desde un punto de vista conservador, la conexión y la dialéctica de estos dos procesos de transformación, considera el auge del tecnoarte una deshumanización del arte y lo relaciona con la aparentemente deshumanizadora rebelión de las masas.


IV [Speculum atrium]

La diferenciación entre artes liberales y artes mechanicae que grosso modo siigue hoy en vigor, vuelve a reflejar el sistema de clases que procedente de la antigua Grecia pervive en nuestros días. En el desprecio por las artes mechanicae en contraposición a las artes liberales, en la lucha del arte mediático por la igualdad de derechos con las artes liberales clásicas como pintura o escultura se deja entrever la emancipación de los esclavos y los asalariados y con ello la lucha de los grupos oprimidos por compartir y obtener la parte del todo social que les corresponde. Entre arte y política existe también una relación diferenciadora que se puede expresar como speculum artium, espejo de las artes. A partir de aquí podemos pensar con razón que el desarrollo de prácticas participativas en las artes responde a una democracia participativa y que estos procesos se influyen recíprocamente, como en sus tiempos la producción plástica en Grecia estaba estrechamente ligada a la democracia griega. El arte responde desde entonces a los requisitos de una democracia en funcionamiento. Podemos por tanto establecer fácilmente que los sistemas políticos que tienen una relación incómoda con el arte, tienen también una relación incómoda con la democracia y que el poder dominante desacredita a los artistas solidarios con la democracia. El reflejo de las relaciones sociales a través del arte no es, por supuesto, tan sencillo como el reflejo óptico. No se trata aquí de isomorfia o de simple biyección, tampoco de un reflejo deformado de inversión lateral o anamorfo, sino de procesos de transformación más complejos y de interdependencias. El repertorio de conductas y emociones que normalmente van unidas a una posición política está ya decidido y demasiado estrechamente concebido. El espectro de la política es más amplio. Res Publicae, los asuntos públicos son cosas de las que ya no tratarán solamente los partidos en el parlamento, sino que serán también objeto de atención por parte de la ciencia, el arte, la religión, la economía y la filosofía.


V [Las enseñanzas de la Enciclopedia]

Entre 1751 y 1780 publicó Denis Diderot junto con Jean le Rond D´Alambert los 35 volúmenes de la Encyclopédie, ou Dictionnaire Raisonnée des Sciences, des Arts et des Métiers (Enciclopedia o diccionario razonado de las ciencias, las artes y los oficios), la publicación más importante de la Ilustración francesa, el prólogo de la Revolución (Robespierre), oficialmente condenada por el Papa Clemente XIII a partir de su séptimo volumen. La crema de la Ilustración francesa: Voltaire, Rousseau, Concordet y Montesquieu le dieron a la Enciclopedia su carácter anticlerical y antiabsolutista, núcleo de la Revolución democrática. D´Alembert (1717- 1783) escribió en 1871 el Discours préliminaire de l´Encyclopédie ( Discurso preliminar de la Enciclopedia) siguiendo los pasos de Bacon, Newton, Locke. Las Matemáticas y la Física formaban para él la base de todo conocimiento, incluso de la enseñanza de lo social. Ni la religión ni los organismos biológicos constituían los patrones para los modelos de la república, sino las esferas de la razón y las ciencias de la naturaleza formaban la plantilla de las esferas de la política y del arte. Pero la Enciclopedia fue sobre todo mérito de Diderot que centró su atención en las arts mécaniciens (artes mecánicas), en el trabajo manual al igual que en la tecnología como langue des arts (lengua de las artes). La parte que dedicó Diderot a las artes mecánicas ocupa la mayor parte de la Enciclopedia. Diderot pedía una comprensión sistemática de las artes mecánicas y reclamaba una discusión en profundidad sobre el arte y la integración de las artes mecánicas en las artes liberales y en las ciencias. Diderot quería eliminar la división entre artes liberales y artes mechanicae, a la que consideraba un mecanismo de la sociedad de clases e intentaba el cambio social a través de la emancipación de las artes mecánicas. Con la mejora de las artes quería mejorar el status social de los ciudadanos. Decía que la diferenciación entre artes liberales y mecánicas había degradado a la humanidad. Era partidario de una ampliación del ámbito de actuación, de una gran extensión del saber y del desarrollo de la artesanía y de las máquinas, de modelos y de instrumentos que favoreciesen el progreso. Publicó los resultados de sus investigaciones en la Enciclopedia con la intención de realizar un cambio social. Esperaba el cambio y la mejora de la sociedad a través sobre todo de la ampliación de los conocimientos de las artes mecánicas. Esperaba esas importantes aportaciones a una sociedad libre no precisamente del arte escultórico o pictórico, sino de las artes mecánicas. Los conocimientos de las artes mecánicas conducirían a una sociedad racional y justa como la que hoy esperamos encontrar gracias a las modernas artes mediáticas y a las tecnologías de los medios como internet. Política experimental y arte mediático experimental debían apoyarse mutuamente. En Diderot y en el programa de la Ilustración encontramos un interés en la integración de los campos separados de interpretación de ciencia, arte (arte mecánico) y política. La ilustración y Diderot consideraban las artes mecánicas, la técnica y la ciencia las bases de una política ilustrada.


VI [La igualdad de derechos de los materiales y de los medios].

En los años 20 del siglo XX surge, especialmente en Rusia y en torno a Vladimir Tatlin un "Cultura del Material”. Tatlin relacionó las aplicaciones de trozos de madera y de papel en los cuadros cubistas de Braque y de Picasso con la tradición de los materiales de los iconos ruso. También Kurt Schwitters y la Bauhaus extendieron el concepto de pintura no solamente al lenguaje formal de la abstracción, sino también a nuevos materiales. En los manifiestos se reclamó en consecuencia la igualdad de todos los materiales. Con este fin aunaron sus esfuerzos los más importantes representantes de la vanguardia de los años 20, pintores, escultores, fotógrafos, realizadores de cine, diseñadores y arquitectos. Desarrollaron un lenguaje visual de aplicación universal desde la el lienzo a la arquitectura, de la superficie al espacio tridimensional. Con ello sentaban las bases para acabar con la rivalidad de las artes y el comienzo de la igualdad de derechos de todos los géneros artísticos.

En la primera fase del arte mediático se trataba de conseguir para medios como la fotografía y el cine el mismo reconocimiento artístico del que gozaban los medios tradicionales como la pintura y la escultura.. En esta fase se argumentaba sobre todo acerca de los propios valores específicos de cada medio. Por lo menos se ha ganado la batalla por el reconocimiento de la fotografía unos 150 años después de su invención. Todavía continúa el proceso de oposición del arte oficial a los nuevos medios, video y arte digital, a pesar de que en las grandes exposiciones internacionales las obras en estos medios reclaman cada vez mayor atención. Podemos pues hablar, al menos en grado de tentativa, de una igualdad de derechos de todos los medios y géneros.




VII [La Condición Postmedia]

Para el éxito esencial de los nuevos medios técnicos, video y ordenador como para el de los antiguos medios técnicos como fotografía y cine contamos no solamente con que iniciaron nuevos movimientos artísticos y crearon nuevas formas de expresión, sino con que además afectaron decisivamente a los medios históricos como la pintura y la escultura. Los nuevos medios por lo tanto no suponían solamente una nueva rama en el árbol del arte, sino que han cambiado el árbol del arte en su conjunto. Hay que distinguir entre antiguos medios técnicos (fotografía y cine) y nuevos medios técnicos (video, ordenador) por un lado y por otro las artes de la pintura y la escultura que hasta ahora no se consideraban medios, pero que bajo el influjo de los medios se convierten en auténticos media es decir antiguos medios no técnicos. Con las experiencias de los nuevos medios lanzamos una mirada diferente a los antiguos medios. Con la práctica de los nuevos medios técnicos revalorizamos también la práctica de los antiguos medios no técnicos. Se podría incluso llegar a decir que el verdadero éxito de los nuevos medios no consiste en haber desarrollado nuevas formas y posibilidades artísticas, sino que su verdadero éxito consiste en familiarizarnos con los antiguos medios artísticos y haberlos mantenido con vida para todos, y que los han obligado a cambios drásticos. Por ejemplo desde que surgió la fotografía como rival en la elaboración de aquellas pinturas que representaban una fiel percepción de la realidad, ya que ciertamente la fotografía prometía el derecho a una representación de la realidad más fidedigna, la pintura tras una lucha de 50 años se apartó de la representación del mundo objetivo y se concentró en el mundo que le es propio (superficie, forma, cuMarc y en las propiedades de los materiales y dispositivos técnicos desde el marco al lienzo), y así fue como triunfó con la pintura abstracta de la primera mitad del siglo XX. Cuando la pintura volvió en la segunda mitad del siglo (desde el pop art al fotorrealismo) a pintar lo concreto, lo hizo en relación directa con la fotografía. La pintura anterior a la fotografía se había referido directamente e inmediatamente al mundo objetivo, pero tras la invención de la fotografía se centró todavía más en la descripción del mundo concreto, representando la realidad del mismo modo que lo hacía la fotografía concreta y figurativa. Igualmente no solo las experiencias con cine y fotografía han conducido a un intercambio con la pintura, también los programas de pintura digital, es decir, el trabajo directo con el ordenador y la pantalla han dado un inconfundible nuevo impulso a la pintura y han introducido en ella una nueva abstracción digital- derivativa digna de tener en cuenta. No solamente ha cambiado el mundo pictórico occidental a través de la influencia de los medios técnicos, sino también, naturalmente, el mundo de la escultura. Hasta en la arquitectura podemos reconocer el influjo dominante de los algoritmos informáticos y de los programas tridimensionales. Podría, pues plantearse la cuestión de si los efectos de los nuevos medios sobre los antiguos no tendrán más éxito que las propias obras de los nuevos medios. El cambio principal y la agenda central del arte del siglo XX, la crisis de la representación, la disolución del concepto de obra y la desaparición del autor, hay que agradecérselo a la aparición de los nuevos medios. El cambio radical frente a la cultura de la recepción que tuvo lugar en el siglo XX, la explosión de lo visual en el arte y la ciencia, el pictorial turn, todo ello procede de los nuevos medios.

Los medios modificaron todas las disciplinas del Arte. El efecto de los medios es universal. El paradigma de los medios se extiende a todas las artes.

Los medios satisfacen la ambición de que el ordenador sea una máquina universal, como llamó Alan Turing, 1937 a su proyecto de ordenador en el texto "On Computable Numbers”. Del mismo modo que hoy sueñan muchos científicos con un modelo informático del universo, con una representación perfecta del universo basada en la computación digital, del mismo modo sueñan también los artistas con un arte que pueda ser creado totalmente por computación digital. Junto al pensamiento informatizado, cuyos efectos y éxitos han alcanzado a todo el mundo, - ya que sin calculadoras no funcionarían ni aeropuertos, ni fábricas, ni estaciones, ni centros comerciales, etc., emergen también las artes basadas en la computación cuyo objetivo es asimismo alcanzar a todo el mundo y de hecho han de contemplarse los efectos y éxitos del arte informatizado en aquella tradición que hemos descrito, es decir como una alteración de toda práctica y forma artísticas. El ordenador no solo puede simular todas las formas y leyes del universo y las leyes de la naturaleza, sino que también puede simular las leyes de la forma, las formas y leyes del mundo del arte. La propia creatividad es un procesador de textos, un algoritmo. De la literatura a la arquitectura, del arte a la música, vemos cada vez mayor asistencia informática, procesadores de textos e instrucciones, normas, consejos de utilización en la obra. El efecto de los medios es universal y por tanto todo el arte es claramente postmedia, no solo porque los medios son máquinas universales, sino y especialmente porque la máquina universal, el ordenador, pretende poder simular todas las artes, todo el arte es postmedia.

Esta condición postmedia no hace superfluos ni el mundo propio los aparatos, ni las propiedades intrínsecas del mundo de los medios. Muy al contrario, la especificidad, la vida propia de los medios cada vez se definirá mejor. En la situación postmedia será total la disponibilidad de medios específicos, es decir las propiedades específicas de los medios de la pintura al cine, por ejemplo un ordenador puede simular mejor el granulado de una cinta de 16 mm y hacerlo más convincente de lo que podría hacerlo la cinta real. La simulación digital de tonos de una flauta suena más a flauta que los sonidos que el propio flautista podría liberar de una flauta real. Un ordenador puede simular mejor la oscilación debida a la corrosión de la perforación de una cinta que la propia realidad, del mismo modo que los tonos de un piano preparado. El ordenador postmedia, la máquina universal permite por primera vez poner en práctica correctamente el reino de la especificidad de los medios.

Toda praxis artística sigue hoy el guión de los medios, los progresos de los medios. Este concepto de medios abarca no solo los antiguos, y nuevos medios técnicos, de la fotografía al ordenador sino también los antiguos medios analógicos como la pintura y la escultura que han cambiado bajo la influencia y presión de los medios técnicos. Por ello es válida esta frase: "Toda praxis artística sigue el guión de los medios”.

El arte de los medios técnicos, el arte asistido por los dispositivos informáticos conforma el núcleo de la experiencia mediática. Esta experiencia mediática se convirtió en norma de toda experiencia estética. En el arte ya no existe por tanto nada más allá de los medios. Nadie puede escaparse de los media, Ya no existe pintura fuera y más allá de los media. No existe escultura fuera y más allá de la experiencia medial. No existe ya fotografía fuera y más allá de la experiencia digital. Paralelamente aquellos fotógrafos que sometiendo sus fotografías a la digitalización y manipulando o ampliando en la pantalla las fotografías captadas por sus cámaras, nos proporcionan las imágenes más convincentes y asombrosas, son los fotógrafos más convincentes y más auténticos. La fotografía desde el mundo del modelo al de la maqueta es un arte del physical modelling una técnica de simulación digital.

El physical modelling de la música acusmática, la representación informática de los tonos en espacios concretos, permite la simulación de cada uno y de los mismos tonos en todas las posibilidades de espacio desde una iglesia a una casa de pisos.

Esta situación postmedia se define en dos fases:

  1. la equivalencia de los medios
  2. la mezcla de los medios

En la primera fase se trataba de conseguir la equivalencia de los medios, conseguir para los nuevos medios – fotografía, cine, video y arte digital el mismo reconocimiento artístico del que gozaban los medios tradicionales – pintura escultura. En esta primera fase se planteaban sobre todo los propios valores específicos de cada medio.

La pintura mostraba como valores propios el cuMarc, el flujo, el goteo, el vertido. La Fotografía demostraba su idoneidad para la representación fiel de la realidad. El cine demostraba su capacidad narrativa. El video demostraba su subversión crítica del medio de comunicación de masas por excelencia: la televisión. El arte digital demostraba su aptitud imaginativa en mundos artísticos virtuales.

Esta fase por lo que respecta al reconocimiento teórico y al valor artístico está ya más menos superada. La especificidad de los medios y la capacidad crítica de los medios afortunadamente se han impuesto definitivamente. Mientras se plantearon los mundos propios y específicos de los medios de entonces, desde la pintura al video, se ha impuesto la equivalencia de los medios, su igualdad de valor artístico, su idéntica legitimidad.

En esta nueva segunda fase se trata de mezclar los mundos propios de cada medio en sentido artístico y del reconocimiento teórico. El video por ejemplo triunfa con la fantasía narrativa del cine, en tanto que en lugar de una pantalla utiliza proyecciones múltiples y en lugar de narrar desde una única perspectiva lo hace desde varias perspectivas a la vez. La fotografía descubre gracias a las nuevas grandes cámaras digitales y programas gráficos mundos artísticos virtuales nunca vistos hasta ahora. Un acontecimiento atrapado fotográficamente puede ser una escultura, un texto o un cuadro. La retención de un objeto y de una persona documentada videográfica o fotográficamente puede ser una escultura. El lenguaje puede ser una escultura. El lenguaje sobre pantallas LED puede ser pintura, libro y escultura. Las instalaciones en video u ordenador pueden ser literatura, arquitectura o escultura. Fotografía y videoarte, originariamente solo bidimensionales alcanzaron dimensiones espaciales y esculturales en las instalaciones. La pintura se relaciona con la fotografía o con los programas gráficos digitales y utiliza ambos. Los programas gráficos se llaman paint programs porque se relacionan con la pintura. El cine muestra su creciente dominio de una documentación fiel de la realidad que toma de la crítica a los medios de comunicación de masas del video. La red proporciona en chats diálogos y textos para todos los medios. La reserva común de textos de la red puede ser usada para el control automático de los textos, la elaboración autogenerativa del mudo del lenguaje. La red puede también elaborar mundos de cuadros autogenerativos y los textos de la red pueden servir como patrones para los guiones y para los actores de películas y los locutores de audiciones o para los textos de poetas o de profanos. Con Ipod cualquiera puede hacer su propio programa de radio: podcasting en lugar de broadcasting. Con videocasting puede cada uno realizar su particular programa de televisión. VOIP (Voice Over Internet Protocol) y IPTV (Internet Protocol Television) proporcionan materiales a cualquiera para instalaciones de texto, sonido e imagen ya sea en el medio fotografía, en el medio video, o en el medio ordenador. Los acontecimientos pueden publicarse de nuevo como películas, piezas musicales, o arquitectura. Esta mezcla de los medios conduce a extraordinarias y enormes innovaciones en cada medio y en el arte. Así la pintura cobra vida no solo por una reflexión sobre sí misma, sino también por su relación con los otros medios. La fotografía y el video viven del cine, el cine vive de la literatura. La escultura vive de la fotografía y el video. Todo ello vive de las innovaciones de la técnica digital. El código secreto de todas estas formas artísticas es el código binario del ordenador y la estética secreta consiste en reglas algorítmicas y programas informáticos. Por todo ello debe definirse esta situación de la actual práctica artística como condición postmedia, porque ya no es solamente un medio aislado el que domina, sino que los medios interactúan y se condicionan mutuamente. El caudal de todos los medios forma un medio universal que se comprende a sí mismo. Este es el estado postmedia del mundo de los medios en la praxis artística de hoy. Para terminar, esto provoca la emancipación del espectador, del visitante, del usuario. En el estado postmedia experimentamos la igualdad de derechos de los profanos, de los aficionados, de los menestrales, de los esclavos, de los siervos. Bajo el título user innovation o consumer generated content experimentamos el momento del nacimiento de un nuevo arte democrático en el que cualquiera puede participar. La plataforma para esta participación es la red. Ahí puede cada uno colgar sus fotos y sus videos. Por primera vez en la historia hay una "institución” un espacio, un lugar donde los profanos con ayuda del arte mediático pueden ofrecer sus obras a los demás. Hasta ahora se censuraba. Solamente existían museos y otras zonas de control estatales o privadas donde solamente se exhibía el arte consagrado, legítimo. Ahora se da vía libre al arte ilegítimo.

Tomado de:

http://www.medialabmadrid.org/medialab/medialab.php?l=0&a=a&i=324

Categoría: Cultura | Visiones: 1400 | Ha añadido: esquimal | Tags: профессиональная косметика для воло, postmedia, artes liberales, Videoarte | Ranking: 0.0/0

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