Antecedentes de la Instalación
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Marcel Duchamp – Fountain (1917)



El arte se ha ido abriendo paso a lo largo de la historia para expandirse mas allá de los cánones
estéticos, y es en el dadaísmo donde encuentra una puerta abierta en este sentido. El movimiento
dadaísta estaba formado por un grupo de inconformistas en contra de todo, pero más que nada en
contra de la burocracia artística de la época. Buscaban liberar al arte de sus limitaciones creando un
arte inaceptable y efímero, estaban a favor de lo inmediato, lo aleatorio y lo absurdo. Como los padres
del anti-arte buscaban la desublimación del concepto artístico como lo diría Marcuse. Marcel Duchamp
comenzó a descontextualizar objetos cotidianos con su Rueda de Bicicleta, naciendo así, Ready-Made.
Desafía fuertemente esta burocracia artística y va contra todos los cánones estéticos cuando presenta
ante el comité de selección de obras de los "Independientes” de Nueva York su famosa Fountaine en
1917, un urinario firmado con el nombre R. Mutt. Duchamp consideraba que en un mundo de
comerciantes no había cabida para el arte.





Kurt Schwitters – MerzbauHannover (1919-1937)



El 24 de Junio de 1920 se llevó a cabo la Primera Gran Feria Dadá, en cuyas salas de exposición se
encontraban amontonadas las obras de los artistas, no había ningún sitio vacío que no se llenara con
carteles o publicaciones dadaístas. Los dadaístas cambiaron la forma de presentar las obras de arte;
sus exhibiciones no tenían nada que ver con las exhibiciones elegantes que se presentaban en los
museos y en las galerías. Heartfield tomó a través del movimiento Dadá fuertes represalias contra la
guerra; en una exhibición colgó del techo un maniquí vestido de oficial Alemán cuya cabeza era la de
un cerdo. Kurt Schwitters hizo una aportación muy importante a este movimiento con su obra Merz-
Säule; en su apartamento de Hannover comenzó haciendo un ensamblaje con todo tipo de materiales
encontrados que utilizó para cubrir el techo y las paredes. Se podían observar distintas formas
redondas y cuadradas en distintos volúmenes que cambiaban cada vez que Schwitters agregaba mas
material a su obra, cuyo centro lo formaba una escultura llamada Säule que él comenzó en 1920.
Según Schwitters todas las cosas que contenían un valor importante para él se encontraban en el
Merzbau, regalos y recuerdos de amigos eran incorporados a las paredes del Merzbau a diario, su obra
creció tanto que para 1934 ya ocupaba dos pisos.
Ya Boccioni manifestaba su inquietud por incorporar el espacio a la obra de arte expresando su
inconformidad con el arte plano y macizo. En sus propias palabras del Manifiesto de la Escultura
Futurista, como lo cita J. Larrañaga
"Proclamemos la absoluta y total abolición de la línea finita y la
estatua cerrada. Abramos la figura y encerremos en ella al ambiente, pues en ella se desarrolla la
plástica y… la atmósfera que circunda las cosas.”
(2001: 13)


Los primeros en preocuparse por que el arte dejara de ser algo que se observa nada mas, por ser
casi divino, como lo atribuían los museos, son los futuristas. Los futuristas querían ir mas allá de las
fronteras que una pared y un museo imponían a la obra de arte; pintores, escultores y poetas se
unieron para volverse intérpretes; para, como lo dijo Soffici
"que el espectador debe vivir en el centro
de la acción pintada”.
 
Marinetti soñaba con una percepción mayor del arte, en la cual este no fuera algo que se observa una
vez y se piensa sobre lo bello que era, sino en un arte en el cual se obtienen reacciones reales a través
de una experiencia mas viva, como lo dice él mismo
"debe ser un alcohol, no un bálsamo.”
Sus obras
trataban principalmente de conmocionar al público, preferían, según Marinetti, los abucheos a los
"mediocres aplausos”
como él los llamaba, porque eran más intensos y sinceros, de manera que en
sus presentaciones él y sus compañeros hacían todo lo posible por molestar al público, como poner
pegamento en las butacas.
También los surrealistas surgieron con nuevas propuestas creativas con respecto al uso del espacio en
la obra del arte; Dalí por ejemplo construyó en 1938 una habitación basándose en el Rostro de Mae
West. Duchamp durante la Exposición Internacional del Surrealismo de París creó un ambiente
compuesto por vitrinas, maniquíes y placas de calles parisinas que guiaban a la sala principal en cuyo
techo se encontraban colgando varios sacos de carbón; en el centro sobresalía una estufa y se podía
detectar un olor a café incorporando al espectador a este espacio. Marcel Duchamp es sin duda uno
de los artistas más revolucionarios que marcaron el siglo XX. Se pueden ver aportaciones suyas en
todas las áreas de la plástica. En 1942 creó una telaraña gigante en la habitación del Whitelaw Reid
Mansion de Nueva York; la telaraña cubría cuadros y muebles atravesando la habitación de un extremo
a otro. La obra comenzó a dejar de ser exclusiva de las paredes de los museos, tal como señala J.
Larrañaga,
"…tanto en el sentido literal como en el metafórico, el plano del cuadro se estaba
rompiendo hacia delante, hacia el espacio del espectador y hacia los lados, apropiándose del espacio
expositivo.”
(2001: 12)





Lucio Fontana-Concetto Spaziale, Attesa, 1965.







 Robert Rauschenberg – Monograma. Estocolmo,
Moderna Museet 1955-1959 Varios medios (122 x 183 x 183 cm.)

   
 

La rebeldía hacia los museos fue creciendo. Los artistas comenzaron a independizarse y a romper con
este grillete que trataba al arte como una mercancía. La búsqueda empezó por la inquietud de
despertar en el espectador algo más que una fría mirada crítica. Con los años 60 nació el arte
conceptual, el cual se basaba en las ideas; la mayoría de las obras se quedaban en ideas, casi nunca
se obtenía una obra tangible que pudiera venderse. Los artistas conceptuales buscaban que el arte
dejara de ser un objeto de admiración para convertirse en la pura reflexión de las ideas. Dora Ashton
dice:
"Estos artistas tienen variados temperamentos, como cualquier otro grupo de artistas, pero
comparten un impulso de moverse fuera, hacia los espacios, en los que no pueden ser contenidos por
individuos.”
(Battcock, Gregory, (comp); 1970: 13)


La total apertura hacia el espacio comenzó con fines teatrales con el surgimiento del happening.
Allan Kaprow inicio sus happenings en 1959 con 18 happenings en 6 partes en el cual utilizo
diapositivas, música, la proyección de una película y la danza; realizó 3 cosas simultáneamente con lo
cual colmó a los espectadores. En los primeros Happenings de Allan Kaprow los espectadores no
participaban, su integración a la obra fue posterior, en Yard de 1961 Kaprow acumuló neumáticos y
varios objetos en un patio donde los espectadores podían participar o solo mirar.

Así como había hecho Schwitters con su obra Merz recolectando objetos para crear un ensamblaje,
varios artistas comenzaron a reunir objetos de chatarrerías y basureros; el Ready-Made de Duchamp
renacía en obras como las de Rauschenberg quien en sus obras buscaba comprender a la sociedad de
la era consumista utilizando un sin fin de materiales encontrados en sus ensamblajes, tales como
animales disecados, bombillas, restos de carros y basura. Las actividades de los artistas fueron muy
controvertidas ya que rompieron completamente con las actividades de la academia para seguir otras
causas, entre ellas ecologistas o sociales, como los creadores del Land Art que trasladaban grandes
cantidades de tierra y piedras de un lugar a otro, como lo hicieron Heizer y Smithson.







Robert Smithson - Spiral Jetti
Rozel Point, Great Salt Lake,
Utah (Abril, 1970)







Dan Flavin - European Coples, and others
Nueva York (1995-1996)


Por otro lado Dan Flavin en 1964 construyó para la Green Gallery de Nueva York una instalación que
consistía en colocar varios tubos de luz de neón de colores sobre las paredes y el suelo, omitiendo el
paso de la luz exterior a la galería. Con esto, Flavin incorporó el espacio como soporte para su obra
manipulando así la percepción de los espectadores.
Durante la década de los sesentas, el mundo del arte tuvo un cambio enorme, tenía que amoldarse a
la época que cambiaba los caballetes de la pintura por el arte conceptual, los happenings, land art, etc.
Y por lo tanto los museos dejaron de tener la importancia que se le comenzó a dar a las calles y a una
gran variedad de espacios que ampliaba las posibilidades de los artistas. Oldenburg decía que los
burócratas siempre encontraban la manera de atrapar a los artistas por más rebeldes que fueran, con
el paso del tiempo encontraban la manera de comerciar con lo invendible, como lo hicieron con los
dadaístas, así que en un gesto de rebeldía comenzó a montar sus obras fuera de los museos y de las
galerías. Joseph Beuys opina:
"Tenemos una idea restringida de la cultura que envilece todo, y es el
concepto envilecido del arte el que ha forzado a los museos a su actual débil y solitaria posición.”
(1979)


¿Qué es una instalación?

Cuando hablamos de una instalación como término común lo relacionamos fundamentalmente con el
acondicionamiento de algún espacio para darle un uso, respondiendo a necesidades específicas, ya sea
como vivienda, negocio, recreación, etc.
También se refiere al orden y manera de montar los cuadros o esculturas, obra en general, para una
exposición. Hablando de la instalación como obra de arte se refiere al arreglo de un espacio concreto
con obra exclusivamente diseñada para su acondicionamiento, siendo así que la instalación no se
vuelve una obra de arte completa hasta que el espectador toma parte de ella, experiencia que puede
compararse con la incursión en una obra arquitectónica como una catedral, cuyos techos elevados
transmiten una sensación de grandeza y de cercanía con el cielo.
En un artículo citado por Larrañaga Amnon Barzel dice:
"La instalación representa una vía de salida al
espacio pintado del ilusionismo y pone en práctica uno de los propósitos fundamentales del
modernismo, el de llevar el arte a la realidad.”
(2001: 87)
El arte llegó a un momento en su evolución, en la cual ni la pintura ni la escultura satisfacían ya las
necesidades del artista. La instalación permite que el artista se explaye recurriendo a una gran
variedad de técnicas para la creación de una obra que permite la participación de todo aquel que la
visita.
En una instalación el espacio puede dar cabida a la creación de otro espacio. Puede haber
instalaciones en las cuales los objetos utilizados dentro de ella sugieran ciertas características
espaciales para su realización, pero también pueden haber instalaciones que sugieran cierto espacio
específico para su realización y comprensión como la reciente instalación de Christian Boltanski en el
museo de Santa Rosa en Puebla, donde todos los elementos utilizados tienen que ver con la historia de
las niñas, que llegaron a este ex convento, cuyos nombres se escuchan a través de un altavoz.
Una instalación depende del espacio y la manera en que los objetos se sitúen en ella, y es imposible
repetirla en su totalidad, se puede recrear, pero nunca será la misma, esto le da una cualidad efímera.
Por lo tanto tampoco es una obra que sea de carácter comercial, aunque los objetos utilizados en ella
si lo pueden ser, pero estos sólo pasarán a ser evidencia de la existencia anterior de una obra de arte.
En general una instalación se exhibe por un tiempo determinado, después del cual se desmonta,
quedando sólo documentos para confirmar su existencia.

Tomado de:
http://es.scribd.com/doc/3967004/La-Instalacion